A Respigadeira

Indoor Desert

2011-06-29T21:17:00.005+01:00

Inspirado por um artigo que leu sobre minas de diamantes abandonadas na Namíbia, o fotógrafo Alvaro Sanchez-Montañes deparou-se com uma imagem de Kolmanskop, uma cidade fantasma que tinha sido povoado por mineiros ricos. Naquele momento, o fotógrafo prometeu a si mesmo que iria fotografar este espaço imaginário.

Quando chega a Kolmanskop, Alvaro veria, com os seus próprios olhos, como a cidade tinha sido deixada à mercê do deserto de Namíbia e as areias tinham recuperado o seu espaço. A cidade diamante, que tinha sido próspera, era agora mais como um sonho surreal.

O resultado dessa experiência foi um belo e penetrante conjunto de fotografias que nos transporta para um mundo irreal.

Créditos das imagens: Alvaro Sanchez-Montañes via My Modern Metropolis

Querida fotografia

2011-06-28T11:08:00.000+01:00

O projecto Dear Photograph é um projecto interessante com uma única instrução: "Take a picture of a picture from the past in the present". Tão simples que é genial!

Créditos das imagens: Dear Photograh

Household Magazine

2011-06-18T10:17:00.001+01:00

Créditos das imagens: MagazineArt.Org

Edward McKnight Kauffer

2011-06-17T08:08:00.008+01:00

Edward MacKnight Kauffer nasceu em Great Falls, Montana, Estados Unidos da América, a 14 de Dezembro de 1890.

Aos 20 anos, Kauffer muda-se para San Francisco trabalhando como vendedor de livros, ao mesmo tempo que estuda Arte no Art Institute Mark Hopkins, entre 1910 e 1912. Por volta desta época, o professor Joseph McKnight da Universidade de Utah conhece o trabalho deste jovem e percebe o seu talento inato. McKnight escolhe apoiar Kauffer e patrocina o prolongamento dos seus estudos em Paris.

Contudo, antes de viajar para Paris, Kauffer lança-se em Chicago, durante seis meses entre 1912 e1913, e estuda no Art Institute of Chicago. Neste instituto, Kauffer contacta com as exposições de Armory Show, a Exposição Internacional de Arte Moderna que introduziu os estilos do pós-modernismo no solo americano. Este momento teve um grande impacto sobre Kauffer, que iria trabalhar nestes estilos ao longo de sua carreira.

Só em 1913 que o ilustrador chega a Paris e começa a estudar na Académie Moderne, até 1914. Posteriormente, muda-se para Londres após o início da Segunda Guerra Mundial, permanecendo nesta cidade uma grande parte da sua carreira.

Kauffer é referenciado pelos 140 cartazes que ele produziu para a London Underground e, mais tarde, para a London Transport. Os seus cartazes reflectem muitos estilos e influências, incluindo o futurismo, o cubismo, o vorticismo, se bem que também se observa a influência do movimento impressionista e das xilografias japonesas. Kauffer criou cartazes para outros clientes britânicos, e também livros ilustrados e capas de livros. Mais tarde, ele também se interessou pelo mundo mais industrial como o têxtil , design de interiores e design de teatro.

Em 1940, retorna a Nova York trabalhando até à sua morte, em 1954, para a American Airlines.

Créditos das imagens: LondonTransport Museum

Paris vs New York

2011-06-16T14:56:00.001+01:00

Vahram Muratyan é ilustrador e designer gráfico francês, co-fundador da Viiiz Art. Para além deste projecto, Muratyan criou o projecto Paris vs New York - a tally of two cities que assenta em ilustrações minimalistas e divertidas sobre detalhes, contradições e clichés sobre as duas cidades.

Créditos das imagens: Vahram Muratyan | Paris vs New York - a tally of twoo cities

Mike Stacey

2011-05-31T09:39:00.002+01:00

As fotografias deslumbrantes de Mike Stacey baseiam-se nas paisagens das Montanhas Azuis da Austrália. Mas este fotógrafo procura lugares no mundo onde... não há absolutamente nada. Essa busca pela representação do aspectos intangíveis do mundo natural e artificial continua...

Créditos das imagens: Mike Stacey - Photographic Works

A mulher de Berthe Morisot

2011-05-30T16:31:00.001+01:00

Berthe Morisot, por Edouard Manet, 1872

Berthe Marie Pauline Morisot (14 de Janeiro de 1841 - 2 de Março de 1895) foi uma pintora e a principal figura feminina do movimento impressionista francês. Pertencente à alta burguesia, era neta do pintor Fragonard. Começou com os Mestres antigos e terminou com Corot, cujos trabalhos ela tinha a vantagem de comentar pessoalmente, já que foi sua aluna entre 1860 e 1862. Corot aconselhou Morisot que fosse aprender a pintar ao ar livre em Auvers-sur-Oise.

Em 1864 Berthe fez a primeira exposição de suas paisagens no Salon. Em 1868, conheceu e ficou amiga de Edouard Manet, que lhe deu conselhos e pintou vários retratos seus. Em 1872, foi para a Espanha. Desde 1874 até 1886, participou em várias exposições dos Impressionistas, excepto na quarta mostra, devido a uma doença.

Em 1874 Berthe Morisot casou-se com o irmão de Manet, Eugène, e, em 1881-1883, construíram uma casa em Paris, que se tornou um lugar de encontros semanais entre pintores e escritores, tais como Degas, Caillebotte, Monet, Pissaro, Whistler, Puvis de Chavannes, Curet, Renoir, Mallarmé e outros. Mallarmé tornou-se seu admirador e amigo mais íntimo.

Em 1895, depois de sua morte, Paul Durand-Ruel realizou, em sua memória, uma exposição com 300 quadros. O prefácio do catálogo foi escrito por Mallarmé. Com suas impressões leves e radiantes de vida doméstica feliz, ela fez uma importante contribuição ao Impressionismo.

Berthe pintava especialmente mulheres e crianças e era a maior exponente feminina do Impressionismo. A obra de Berthe Morisot representa uma reflexão afirmativa da obra de Manet, embora com pinceladas mais longas e suaves, com tendência para a verticalização, numa tentativa de organizar a composição. Segundo os críticos actuais, sua obra é bastante surpreendente, talvez devido ao fato de que mulheres foram, durante um bom tempo, excluídas da Academia de Belas Artes, para que dessem mais atenção às tarefas domésticas ou, simplesmente, estivessem longe da prática profissional das artes. Porém, sabe-se que Pisarro, Renoir e Monet, além dos outros demais artistas, sempre estiveram conscientes do talento de Morisot, como afirmou o próprio Pisarro, no ano de 1895: "Berthe foi uma grande mulher de talento extraordinário, que honrou o nosso grupo impressionista”.

Fonte: Berthe Morisot | Wikipédia

Shau Kardinal

2011-05-30T15:47:00.000+01:00

Esta série de colagens, que utiliza bordados de forma original, pertence ao artista Shau Kardinal. Vale a pena conhecer o seu trabalho e o seu Flickr.

Selos do mundo

2011-05-29T15:45:00.001+01:00

O flickr de Karen Hoston apresenta uma encantadora colecção de selos provenientes de muitos países.

Uma forma diferente de viajar pelo mundo.

Adam Simpson | BAFTA

2011-05-28T12:00:00.002+01:00

O ilustrador Adam Simpson foi o responsável pelos cartazes de promoção / divulgação dos nomeados para os prémios deste ano da British Academy of Film and Television Arts, os BAFTA.

Tina Turner

2011-05-27T15:29:00.000+01:00

Anna Mae Bullock; Nutbush, 26 de Novembro de 1939

Créditos das imagens: LIFE Photo Archive

Gene Davis

2011-05-26T20:14:00.007+01:00

Gene Davis (22 de Agosto de 1920 - 06 de Abril de 1985) foi um pintor norte-americano conhecido principalmente por suas pinturas coloridas de listas verticais de cor.

Davis nasceu em Washington DC e passou quase toda a sua vida nessa cidade. Antes de começar a pintar em 1949, Davios trabalhou como jornalista desportivo, chegando a trabalhar para o Washington Redskins e outras equipas locais. Também chegou a fazer reportagens sobre Rososevelt e Truman em 1940.

Durante os anos 60, Davis torna-se membro do grupo de pintores abstractos de Washington DC conhecido como Washington Color School .A primeira exposição individual de desenhos de Davis foi na Galeria Teatro Dupont em 1952, e a primeira exposição de pinturas foi na Catholic University em 1953. Uma década mais tarde, Davis participou do "Color Washington Painters" e expõe na Washington Gallery of Modern Art in Washington, DC.

Apesar de ter trabalhado em vários estilos, incluindo tintas , óleo , acrílico , vídeo e colagem , Davis é mais conhecido pelas suas pinturas de acrílico (principalmente sobre tela) de coloridas listras verticais, que começou a pintar em 1958 . As suas pinturas normalmente repetem cores específicas para criar um senso de ritmo e repetição, como uma composição musical. Um dos mais conhecidos de seus quadros, "Black Beat Grey" (1964), da propriedade da Smithsonian American Art Museum reforça essas comparações musicais.

Créditos das imagens: Gene Davis | Smithsonian Institution

1969: um ano com muito estilo

2011-05-25T17:00:00.001+01:00

Créditos das imagens: Arthur Schatz | Life Magazine

Beleza abandonada

2011-05-21T13:59:00.004+01:00

100 Abandoned Houses é um projecto fotográfico de Kevin Bauman que começou “inocentemente” a fotografar casas abandonadas em Detroit, em meados dos anos 90, como um escape criativo e como uma forma de satisfazer a curiosidade sobre as histórias vividas em casas abandonadas.

As suas fotografias, que podem ser vistas como registos da arqueologia urbana, evidenciam o abandono deprimente e perturbador. Mas acima de tudo, um abandono belo, misterioso, surpreendente e grandioso.

Créditos das imagens: Kevin Bauman | 100 Abandoned Houses

Around the globe...

2011-05-20T10:46:00.002+01:00

Os globos ImagineNations são um bonito projecto da artista norte-americana Wendy Gold.

Todos os ImagineNations são feitos à mão a partir de globos antigos. Cheios de personalidade forte, característica própria de objectos vintage, devido à sua idade, muitos dos globos já não são geograficamente precisos. Mas sinceramente: com tanta originalidade esse pormenor não é importante!

Créditos das imagens: Wendy Gold | ImagineNations

A amamentação I

2011-05-19T15:45:00.008+01:00

The Mother, Djordje Andrejević-Kun

Motherhood (Woman Breast Feeding Her Child) (1886), August Renoir

Maria Lactans (1614), Peter Paul Rubens

Motherhood (1916), Gino Severini

Maternité (1890), Mary Cassatt

The Holy Family (1634), Rembrandt van Rijin

Madonna and Child (1490),Gerard David

Motherhood (1902), Stanisław Wyspiański

Madonna and Child, Leonardo da Vinci

Nursing the Baby (1906), Lilla Cabot Perry

Patrick Cariou

2011-05-10T14:15:00.001+01:00

Patrick Cariou é um fantástico fotógrafo que nos apresenta um vasto trabalho sobre diversas culturas e sub-culturas, desde a cultura polinesa, cigana, passando pela sub-cultura surfista.

Todos os créditos das imagens: Patrick Cariou | Polynesian Project

Sebastião Salgado

2011-05-09T15:37:00.000+01:00

Natural de Aimorés, Minas Gerais, Sebastião Salgado nasceu em 1944, sendo o sexto e o único filho homem de uma família com oito filhos. Estudou Economia no Brasil entre 1964 e 1967 e fez o mestrado na mesma área na Universidade de São Paulo e na Vanderbilt University (EUA).

Após completar o doutoramento em Economia pela Universidade de Paris, em 1971, trabalhou para a Organização Internacional do Café até 1973. Depois de pedir emprestada a câmara fotográfica da sua esposa, Lélia, para uma viagem a África, Salgado decidiu, em 1973, trocar a Economia pela Fotografia.

Salgado trabalhou para as agências Sygma (1974-1975) e Gamma (1975-1979). Eleito membro da Magnum Photos, uma cooperativa internacional de fotógrafos, permaneceu na organização entre 1979 e 1994. Da cidade de Paris, onde vivia, Salgado viajou para cobrir acontecimentos como as guerras na Angola e no Saara espanhol, o sequestro de israelitas em Entebbe e o atentado contra o presidente norte-americano Ronald Reagan. Paralelamente, passou a dedicar-se a projectos de documentários mais elaborados e pessoais.

Entre 1977 e 1984, Salgado viajou pela América Latina durante sete anos, tendo percorrido a pé alguns povoados. Neste povoados o fotógrafo capturou as imagens para o livro e a exposição Outras Américas (1986), um estudo das diferentes culturas da população rural e da resistência cultural dos índios e de seus descendentes no México e no Brasil.

Nos anos 80, trabalhou 15 meses com o grupo francês Médicos Sem Fronteiras durante a seca na região do Sahel, na África. Na viagem produziu Sahel: O Homem em Pânico (1986), um documento sobre a dignidade e a perseverança de pessoas nas mais extremas condições.

Entre 1986 e 1992, compôs Trabalhadores (1993), um documentário fotográfico sobre o fim do trabalho manual em grande escala em 26 países. Em seguida, produziu Terra: Luta dos Sem-Terra (1997), sobre a luta pela terra no Brasil, e Êxodos e Crianças (2000), retratando a vida dos refugiados e migrantes de 41 países.

Salgado é um fotógrafo reconhecido internacionalmente e adepto da tradição da "fotografia engajada", tendo recebido praticamente todos os principais prémios de fotografia do mundo como reconhecimento por seu trabalho. Em 1994 fundou sua própria agência de notícias, a Imagens da Amazónia, que representa o fotógrafo e seu trabalho.

Nomeado como representante especial da UNICEF em 2001, Salgado dedicou-se a construir trabalhos fotográficos que retratem a vida das pessoas excluídas. Salgado remata: “Espero que a pessoa que entre nas minhas exposições não seja a mesma ao sair. Acredito que uma pessoa comum pode ajudar muito, não apenas doando bens materiais, mas participando, sendo parte das trocas de ideias, estando realmente preocupada sobre o que está acontecendo no mundo".

Créditos das imagens: Sebastião Salgado | Masters of Photography

Susan Burnstine

2011-04-19T09:38:00.033+01:00

Susan Burnstine retrata as suas visões oníricas através da câmera. Porém, ao invés de manipulações pós-processamento através de softwares, Susan optou por um processo mais intímo, mais rico. Esta artista criou 21 câmeras de filme e lentes feitas à mão que são, frequentemente, imprevisíveis e tecnicamente desafiadoras. As câmeras são feitas principalmente de plástico, a partir de antigas peças de outras máquinas e de outros objetos domésticos e as lentes são moldadas em plástico e borracha. Aprender a superar as suas extensas limitações fez com que Susan confiasse no instinto e intuição... as mesmas ferramentas que são essenciais ao confiar no invisível.

Susan Burnstine é uma premiada fotógrafa norte-americana de arte e de comerciais, sendo representada em galerias de todo o mundo. Colaboradaora assídua em várias revistas de fotografia como a Black & White Photography (Reino Unido), Susan venceu o B&W Magazine's 2008 Portfolio Spotlight Awarde e em 2009, foi nomeada para o Santa Fe Prize for Photography.

Créditos: Susan Burnstine in Photographers Gallery

Scott Rhea

2011-04-18T12:21:00.000+01:00

Este fotógrafo apresenta uma série de fotografias aquáticas inspirada nos seus sonhos durante as cheias provocadas pelo Katrina.

Créditos: Scott Rhea in Photographers Gallery.

Hara-Kiri

2011-04-15T17:18:00.001+01:00

Em 1960, o humorista francês Georges Bernier, juntamente com Cavanna e Fred Aristides criaram uma revista inédita e satírica: a Hara-Kiri, com uma tiragem mensal. Depois de um sucesso alcançado através da provocação e choque na sociedade, em 1969 foi lançada a Hara Kiri Hebdo, a sua homóloga semanal.

Para além de Bernier, Cavanna e Aristides, fizeram parte deste projecto Melvi Van Peebles, Reiser, Roland Topor, Moebius, Wolinski, Gebe, Cabu, Delfeil de Ton, Fournier, Jean-Pierre Bouvxou e Bernhard Willem Holprop.

Sob o subtítulo “jornal bête et méchant ”, a revista era popular pelas suas capas bizarras e chocantes e pelos artigos que provocavam os poderes estabelecidos, como os partidos políticos, a Igreja e o Estado. Entre 1961 e 1966, a produção da revista mensal foi temporariamente proibida pelo Governo Francês.

Créditos das imagens: 1,2,3,4: PCL LinkDump; 5,6,7,8: Palladio.free.fr

Vivian Maier, um auto-retrato

2011-04-12T16:18:00.002+01:00

Vivian Maier (01 de Fevereiro de 1926 - 21 de Abril de 2009) foi uma fotógrafa de rua amadora que nasceu em Nova York, cresceu na França e depois retornou aos Estados Unidos para viver como ama em Chicago. Durante os 40 anos em que viveu em Chicago, esta mulher, dona de uma visão sensível sobre o mundo que a rodeava, tirou mais de 100 mil fotografias, algumas na cidade e outras em países pelos quais viajou durante este período. Contudo, a sua vida é ainda um mistério, pouco ou nada se sabendo sobre esta mulher que percorria as ruas sempre à espera de eternizar um momento, um rosto, um olhar...

As suas fotografias permaneceram desconhecidas só até quando John Maloof, um historiador local que trabalhava para um livro sobre a vizinhança de Portage Park em Chicago, comprou uma caixa que continha cerca de 30.000 negativos numa casa de leilões. Os negativos tinham sido deixados num depósito que Vivian costumava utilizar e que foi vendido quando ela não pôde pagar a renda. Depois de comprar o primeiro lote de negativos em 2007, Maloof adquiriu o que restava da coleção de Maier de outro comprador. Só mais tarde, Maloof descobriu o nome Maier num obituário no Chicago Tribune.

As fotografias de Vivian Maier foram publicadas pela primeira vez na Internet em Julho de 2008 por Ron Slattery, que também tinha adquirido grande parte dos negativos dela. Slattery vendeu uma parte de seus negativos a Maloof, apesar de ainda manter cerca de 12.000 deles consigo.

Em 2009, Maloof criou um blog e começou a publicar algumas das fotografias de Vivian, o que o ajudou a encontrar algumas famílias para quem Maier trabalhou. Maloof pôde então descobrir detalhes da vida da fotógrafa e até recebeu destas famílias alguns dos pertences de Vivian que tinham permanecido com eles.

Maloof está a trabalhar num livro com fotografias de Vivian e já apresentou um documentário intitulado Finding Vivian Maier, que conta a vida da fotógrafa misteriosa. Maloof também é o responsável pela primeira exposição do trabalho de Vivian, intitulada “Finding Vivian Maier: Chicago Street Photographer”, que ocorreu no Chicago Cultural Center (8 de Janeiro a 3 de Abril de 2011).

Neste post só foi apresentado uma parte muito ínfima do seu trabalho. Poderá conhecer e deslumbrar-se com a visão desta mulher no blogue Vivian Maier - Her Discovered Work.

Créditos das imagens: Vivian Maier Photographer

Fonte: Vivian Maier | Wikipédia

A single man, a single film

2011-04-11T14:48:00.001+01:00

Fotogramas retirados do filme "A Single Man" de Tom Ford.

Patinho feio?

2011-04-11T14:46:00.000+01:00

In "Fritsch, Anton (1871). Evropské ptactva (Europas Vögel), Tafelband."

Créditos das imagens: BioLib Online

Butterfly Effect

2011-03-19T15:15:00.001Z

In "Reise der Österreichischen Fregatte Novara um die Erde in den Jahren 1857, 1858, 1859 unter den Befehlen des Commodore B. von Wüllerstorf-Urbair (1864)."

Créditos das imagens: Bio Lib

Força da Natureza

2011-03-18T09:53:00.002Z

Créditos das imagens: Carsten Peter (1,7,9), Frans Lanting, Sylvia Sharnoff, Charles Kogod, Frans Lanting, David Boyer, Robert Madden | National Geographic

Padrões da Natureza

2011-03-17T09:00:00.001Z

Créditos das imagens: Raul Touzon (1,2), Tom Murphy, Todd Gipstein, Roy Toft, Raymond Gehman, Marc Moritsch | National Geographic

Aurora

2011-03-16T14:36:00.001Z

A aurora polar é um fenómeno óptico composto de um brilho observado nos céus nocturnos nas regiões polares, que decorre do impacto de partículas de vento solar e a poeira espacial encontrada na via láctea com a alta atmosfera da Terra, canalizadas pelo campo magnético terrestre. Nas latitudes do hemisfério norte é conhecida como aurora boreal (nome baptizado por Galileu Galilei em 1619, em referência à deusa romana do amanhecer Aurora e ao seu filho Bóreas, representante dos ventos do Norte), ou luzes do Norte (nome mais comum entre os escandinavos). Ocorre normalmente nas épocas de Setembro a Outubro e de Março a Abril. Em latitudes do hemisfério sul é conhecida como aurora austral, nome baptizado por James Cook, uma referência directa ao fato de estar ao Sul.

O fenómeno não é exclusivo ao nosso planeta, sendo também observável noutros planetas do sistema solar como Júpiter, Saturno, Marte e Vénus.

Créditos das imagens: Norbert Rosing | National Geographic

August Sander

2011-03-15T09:13:00.001Z

Fotógrafo alemão, August Sander nasceu em Herdorf, na Alemanha, em 1876. Com apenas 13 anos começa a trabalhar como aprendiz de mineiro. Três anos mais tarde recebe uma câmara fotográfica, com a qual começa a fotografar nos seus tempos livres, revelando os negativos num laboratório construído por si mesmo.

Depois de concluir o serviço militar, começa a trabalhar profissionalmente na fotografia, especializando-se em fotografia de arquitetura e industrial. Em 1901, parte para a Áustria, onde adquire, juntamente com um sócio, um estúdio fotográfico. Alguns anos mais tarde compra a outra parte da sociedade e muda o nome do estúdio para August Sander Studio for Pictorial Arts of Photography and Painting. Dois anos mais tarde, é distinguido na Exposição de Paris com o primeiro dos muitos prémios que viria a receber ao longo da sua carreira. É também por esta altura que começa a experimentar a fotografia a cor.

Em 1906, realiza em Linz, onde possui um estúdio, a sua primeira exposição individual, com cerca de cem fotografias. Depois de vender este estúdio, muda-se para Lindenthall, perto de Colónia, e começa a trabalhar naquele que se tornaria o projecto da sua vida, "Man in the Twentieth Century", um trabalho contínuo que visava documentar o povo alemão.

August Sander combateu pelo exército alemão durante a Primeira Grande Guerra Mundial e, depois de terminado o conflito, dedicou-se ao ensino da fotografia.

Em 1927, viaja para a Sardenha, com o intuito de fotografar as paisagens e os habitantes da ilha. No final desse ano, expõe em Colónia 60 imagens do seu projecto "Man in the Twentieth Century" e consegue um acordo para a publicação deste trabalho em livro. O primeiro volume, Face of Our Time, foi editado em 1929.

No início dos anos 30, a ascensão de Hitler ao poder começa a afectar negativamente o seu trabalho. Com a prisão do seu filho por pertencer a um movimento antinazi, as autoridades suspendem a publicação dos livros de Sander e confiscam os negativos do projeto "Man in the Twentieth Century".

Já durante a Segunda Guerra Mundial retoma o projecto, "Man in the Twentieth Century". Sobrevive à destruição do seu estúdio e consegue salvar muitos dos seus negativos. Ainda assim, em 1946, estes negativos seriam destruídos por assaltantes. Apesar de todos estes contratempos, Sander continuou a trabalhar nos seus diversos projectos. Em 1951, exibe o seu trabalho na primeira edição da exposição Photokina. Algumas destas imagens são selecionadas por Edward Steichen para integrarem a exposição Family of Man (1955).

August Sander foi nomeado membro honorário pela Sociedade de Fotografia Alemã em 1958 e em 1960 recebeu a Ordem de Mérito da República Federal Alemã.

Em 1963, sofre um ataque cardíaco, acabando por morrer em Colónia no ano seguinte.

Para saber mais sobre a vida e a obra de August Sander, ler o ensaio de ROSSI, Paulo José (2009). August Sander e Homens do século XX: a realidade construída. Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Sociais; Departamento de Sociologia: São Paulo. Encontra-se disponível em Das Obras Visuais.

Fonte de informação: August Sander | Infopédia

Créditos das imagens: August Sander | © The J. Paul Getty Museum

Descubra as diferenças

2011-03-14T13:51:00.002Z

Irina Werning é uma fotógrafa nascida em Buenos Aires, especializada em Economia e História. Mais tarde, opta por graduar-se em Fotojornalismo. Porém, as suas fotografias caracterizam-se pela diferença e pelo humor.

Dentro de vários projectos, destaca-se o Back to the Future. A partir de velhos albúns de familia, Irina reproduz o mesmo cenário das antigas fotografias, com as mesmas pessoas, nos mesmos lugares, com as mesmas roupas e as mesmas expressões.

Irina explica assim o seu projecto:

"I love old photos. I admit being a nosey photographer. As soon as I step into someone else’s house, I start sniffing for them. Most of us are fascinated by their retro look but to me, it’s imagining how people would feel and look like if they were to reenact them today... A few months ago, I decided to actually do this. So, with my camera, I started inviting people to go back to their future."

Créditos das imagens: © Irina Werning

Rainbow

2011-03-08T13:47:00.001Z

Fonte: Via HONGKIAT.COM

Luz

2011-03-08T09:59:00.001Z

Luz, feminino

Única radiação captada pelo olho humano;

Energia eléctrica;

(sentido figurado) clareza, evidência, certeza;

(sentido figurado) conhecimento público;

(sentido figurado) esclarecimento, elucidação.

Fonte: Via Digital Picture Zone | Créditos de Chris Seufert; Will Montague; Mr. Moog;
FragmentaryBlue; Josh Liba; ~K~; rogvon.

Realidade ou ilusão?

2011-03-07T09:54:00.000Z

A técnica High Dynamic Range (HDR) cria imagens incrivelmente impressionantes. Onde termina a realidade e começa a ilusão?

Fonte: Via Digital Picture Zone | James Neeley; antiguan_life; Jeff Clow; svf1972; Rickydavid; raycollister; raymondluijbregts.

Martine Roch

2011-02-23T09:06:00.003Z

Martine Roch tem duas paixões: animais e criar imagens. Martine é uma ilustradora francesa que cria imagens surreais, mas de uma beleza única.

Fonte: Imagens via Zupi

Julien Pacaud

2011-02-22T09:37:00.002Z

Julien Pacaud é um ilustrador francês que cria colagens digitais com um toque entre o surrealismo, o revivalismo e o puro vintage.

Antes de se tornar num admirável ilustrador, Pacaud, como confessa no seu site, estava indeciso entre ser um astrofísico, um jogador internacional de sinuca, um hipnólogo e um professor de esperanto. No fundo, as suas ilustrações é um passaporte para aquilo que ele quer realmente fazer e a sua paixão: viajar no tempo.

Créditos das imagens: Julien Pacaud

A Imperatriz dos Blues

2011-02-21T15:12:00.004Z

Bessie Smith ficou para história da música como uma das cantoras de maior sucesso dos anos 20 e, juntamente com Louis Armstrong, foi uma das grandes influências dos Blues e Jazz.

Nascida a 15 de Abil de 1894, em Chattanooga, Tennesee, cedo perde os seus pais e para arranjar dinheiro para sobreviver, Bessie e o seu irmão Andrew formam um dueto (ela a cantar e dançar e ele a tocar viola) e começam a interpretar nas ruas de Cattonooga.

Mais tarde, Clarence, o seu irmão mais velho, convence-a a continuar no canto e na dança. Em 1912, Clarence trabalhava com a banda musical Stokes e arranjou uma audição para Bessie com seus empresários, Lonnie e Cora Fisher. Assim, Bessie inicia-se no mundo do vaudeville mas foi contratada como dançarina ao invés de cantora, porque a companhia já incluía Ma Rainey, que se tornou na sua protectora. Contudo, todos os relatos da época indicam que Ma Rainey não ensinou Bessie a cantar. Provavelmente ajudou-lhe a desenvolver a sua presença no palco. Em 1913, Bessie começou a criar seu próprio show, no teatro "81" em Atlanta. Por volta de 1920, estabeleceu uma reputação de na região sul americana e ao longo da costa leste americana.

Bessie tornou-se uma figura famosa como resultado do seu primeiro álbum em 1923, gravado pela Columbia, "Downhearted Blues". Transformou-se a atracção principal no circuito de teatros negros e acabou por se tornar ela própria na atracção mais popular nos anos 1920. Trabalhando sobre uma agenda apertada que envolvia peças de teatro durante os meses de Inverno e turnês ao longo do resto do ano, Bessie transformou-se na artista negra mais bem paga de sua época.

A cantora fez cerca de 160 gravações para Columbia, muitas vezes acompanhada pelos melhores músicos de sua época, como Louis Armstrong, James P. Johnson, Joe Smith, Charlie Green, e Fletcher Henderson, ganhando milhares de dólares por semana nos anos vinte, mas devido à popularidade do swing, o blues entrou em declínio para o público nos anos trinta, tendência essa que resultou no fim de 10 anos de contrato com a Columbia Records.

Em 1929, Bessie entra na curta-metragem “St. Loius Blues”, a sua única aparição no cinema, baseada na música de W. C. Handy de mesmo nome. No filme, dirigido por Dudley Murphy e filmado no bairro Astoria em Nova Iorque, ela aparece acompanhada pela orquestra de Fletcher Henderson, Hall Johnson Choir, o pianista James P. Johnson, e uma secção de cordas; uma atmosfera musical radicalmente diferente de qualquer outro encontrado em suas gravações.

Bessie continuou a cantar ao vivo e conseguiu gravar mais quatro canções, muito devido a insistência de John Hammond, durante seus seis últimos anos, antes de falecer a 26 de Setembro de 1937, quando supostamente sangrou até a morte depois de um acidente de carro.

Bessie Smith foi a primeira cantora de blues a se tornar um grande sucesso devido à sua carreira na indústria fonográfica. Músicas com letras sociais, um estilo vocal bem definido e uma atitude activa contra movimentos racistas, fizeram de Bessie a “Imperatriz dos Blues”.

Fonte: Clube de Jazz; Wikipédia

Stage of decay

2011-02-17T14:34:00.001Z

Julia Solis é uma fotógrafa norte-americana que explora edifícios esquecidos e abandonados pelo tempo. As suas fotografias registam a beleza fantasmagórica desses edifícios. Olhar para as fotografias de Julia Solis é olhar para o passado, mas é também um exercício de imaginação sobre pessoas, momentos e histórias de vida que por lá passaram.

O trabalho de Julia Solis é extenso e pode ser visto no seus site Dark Passage e no seu blog Dark Passage Travelogue.

Créditos das imagens: Julia Solis | Stage of Decay

My Mother

2011-02-16T10:57:00.001Z

O poema "My Mother" pertence ao livro New Toy Book (Inglaterra, 1874) de George Routledge que começou a publicar esta série de livros em 1865.

As ilustrações que acompanham o poema pertencem a Walter Crane (1845-1915), que estabeleceu uma reputação como importante ilustrador de livros infantis. Crane foi revolucionador para a época porque foi o primeiro a conjugar na mesma página texto e ilustração, enquanto a maioria dos outros livros intercalavam as páginas de imagens com páginas de texto. Os seus desenhos eram simples, usando apenas cores brilhantes, sem mistura.

Créditos das imagens: Prints with a Past

2011-02-15T14:30:00.002Z

Robert Mapplethorpe (Nova Iorque, 1946 — Boston, 1989) foi um fotógrafo norte-americano conhecido como o documentarista da homossexualidade e pelo seu grande rigor em todos os aspectos da sua obra, criativos ou técnicos.

Se a sua vida teve vários desvios, a sua arte teve vários caminhos. Mas foi na fotografia que este artista incansável se afirmou. As fotografias de Mapplethorne foram objecto de uma controvérsia sem precedentes. A sua obra é conflituosa, não apenas por apresentar frequentemente um conteúdo erótico homessexual e sado-masoquista, mas também por implicar o duplo papel do autor como observador e como participante.

A controvérsia atingiu o auge em 1990, quando a polícia invadiu uma exposição póstuma em Cincinnati - o primeiro caso de um museu americano processado criminalmente por uma exposição. Em contraste com este tipo de trabalho, Mapplethorpe elaborou também retratos de sociedade, fotografias de moda e uma maravilhosa série de estudos de flores. Contudo, o tema que o marcou foi o da identidade sexual que, apesar da emergência da SIDA e do movimento gay, poucos artistas têm tratado com a mesma intensidade.

Créditos das imagens: Robert Mapplethorpe Male nudes Female Nudes

Futurama reinventada

2011-02-14T09:52:00.003Z

O blog Recave apresenta 40 trabalhos de vários artistas inspirados na série Futurama de Matt Groening.

Anthotny Lister

2011-02-12T09:27:00.001Z

Anthony Lister é um artista nascido na Austrália e o seu trabalho vai desde desenho a pinturas em óleo até às mais complexas perfomances. Lister procura inspiração em diversas áreas e géneros, incluindo a arte de rua, o expressionismo, a Pop Art e a cultura popular.

Nada escapa ao olhar sarcástico de Lister e os ícones de Banda Desenhada da nossa juventude adquirem uma dimensão totalmente humanizada: retiram a mascara de poder, beleza, perfeição, dando lugar à deformidade, futilidade e decadência.

Matthew Cusick

2011-02-11T11:10:00.000Z

A partir de mapas, o artista norte-americano Matthew Cusick produz incríveis retratos, paisagens e composições. No trabalho de colagem, Cusick usa ass linhas, os símbolos e as cores para criar os seus retratos e as ilustrações. Genial, não é?

Garden Heritage

2011-02-10T09:17:00.004Z

Cartazes e ilustrações sobre Jardins do século XIX, apresentadas pela Royal Hosticultural Society.

A Horta

2011-02-09T11:37:00.001Z

A Royal Horticultural Society apresenta uma grande variedade de ilustrações e fotográficas de alta qualidade sobre o mundo botânico.

As ilustrações aqui apresentadas pertencem à colecção “Fruit, Vegetables And Herbs”. Esta colectânea pertence a várias artistas do século XIX.

John Stezaker

2011-02-08T14:02:00.001Z

John Stezaker nasceu no Reino Unido, em 1949. Durante a década de 1970, Stezaker foi pioneiro na arte conceitual britânica como reacção oposta à predominância da pop art da época.

O seu trabalho surreal apresenta as várias relações da imagem fotográfica como a documentação da realidade, fornecedora de recordações, tornando-se num símbolo da cultura moderna. Nas suas colagens, Stezaker apropria-se de imagens preexistentes encontradas em livros, revistas, cartões postais, fotos de publicidade e fotogramas de filmes. Stezaker tem uma preferência por imagens estilísticas da época dourada de Hollywood e, colocado no contexto contemporâneo, o seu trabalho conserva a aura de glamour.

Via: Whitechapell Gallery

Gillian Ayres

2011-02-04T15:46:00.006Z

Gillian Ayres nasceu em 03 de Fevereiro de 1930, em Barnes, Londres. Estudou na Camberwell School of Art (1946-50) e trabalhou na AIA Gallery (1951-9), onde conheceu o artista Henry Mundy, com quem se casou.

Gillian foi a única mulher a participar nas exposições da “Situation” em Londres (1960 e 1961), mas ao contrário dos seus amigos Roger Hilton, Robyn Denny e Howard Hodgkin, que apresentaram abstracções sóbrias, as pinturas de Ayres eram muito coloridas e informais.

Nos anos 50, conheceu o método de Jackson Pollock, que trabalhava no chão. Decidiu assim que iria trabalhar sem pincéis, criando obras a partir dos movimentos físicos do seu corpo, contrariando os métodos tradicionais da pintura de cavalete. Esta assimilação rápida e perspicaz das experiências abstractas da Europa pós-guerra, permitiram-lhe forjar uma linguagem artística pessoal e imediatamente reconhecível.

Jean Seberg

2011-02-03T17:02:00.004Z

Jean Seberg foi uma actriz norte-americana que nasce em Marshalltown, Iowa, no dia 13 de Novembro de 1938, mas que radicou-se em França em 1957, vivendo até à sua morte.

Jean Seberg chegou a Paris em 1957, para participar num casting para o papel principal no finem “Joana D'Arc" de Otto Preminger. Foi a escolhida entre mais de oito mil candidatas e a partir daí sua carreira arrancou. Os seus principais filmes foram "Bom Dia Tristeza", "Acossado", "Lilith", "Aeroporto" e " O Rato que Ruge". Porém, a actriz nunca atingiu a fama de Jeanne Moreau ou de Brigitte Bardot.

Para além de actriz, Jean escreveu dois livros, "Blue Jean",um ensaio sobre a esquizofrenia, e "How top Escape Oneself" (Como Escapar de Si Mesmo), um manual com instruções para o suicídio.

Casou-se três vezes e confessou nunca ter sido feliz com nenhum dos seus maridos. O primeiro foi o cineasta François Moreuil, depois veio o escritor Romain Gary, com quem teve dois filhos e por fim, con diretor Dennis Berry. A sua filha Nina, nascida em 1970, faleceu dois dias depois provavelmente devido ao excesso de medicamentos que Jean tomava.

A actriz sofria de uma forte depressão, tentando várias vezes o suicídio. Em 1979, Jean foi encontrada morta (há mais de 10 dias), dentro de seu carro às margens do rio Sena em Paris. O motivo da morte foi uma overdose de barbitúricos. Faleceu no dia 08 de Setembro.

Fonte: Jean Seberg, do fracasso ao suicídio

"Diários de viagem"

2011-02-03T10:41:00.000Z

Livros de viagens que são verdadeiros tesouros. Este livros foram criados por Victoria, uma "artista que pinta com luz". Para além de pintar, Victoria gosta de captar momentos através das suas câmaras fotográficas vintage. Estes livros são as recordações da sua viagem à Ucrânia e podem ser visto no seu Flick: Inmost_light.

Ballerina Project

2011-01-31T14:43:00.006Z

O Ballerina Project surgiu a partir da ideia que a cidade de New York é um íman para a criatividade. Cada fotografia é um trabalho colaborativo de dança, design de moda e a cidade.

Para se tornar fã deste fantástico projecto aceda ao seu perfil no Facebook ou pode seguir o seu blog.

Fallen Art

2011-01-26T12:08:00.000Z

Fallen Art (Spadania Sztuka) é uma curta-metragem de animação, escrita e dirigida por Tomasz Baginski e produzido por Platige Image, uma empresa de efeitos visuais. A música “Asfalt Tango” que acompanha o filme pertence ao grupo romeno Fanfare Ciocarlia.

Fallen Art apresenta a história de um general que se considera um artista. Porém, a sua arte consiste num alienado método de fotografia stop motion, onde os quadros individuais do filme são criados pelas fotografias, obtidas pelo Dr. Johann Friedrich, dos corpos dos soldados mortos involuntariamente impelidos pelo sargento Al.

Em 2006, recebeu um prémio BAFTA da British Academy of Film and Television Arts.

2011-01-25T16:32:00.000Z

O blog WebDesign Depot juntou 50 logótipos cuja a forma é o círculo. Um símbolo gráfico é frequentemente utilizado como parte de um projeto do logótipo, com o objectivo em transmitir uma idéia ou conceito particular de uma forma eficaz e atraente e o círculo é, sem dúvida, o símbolo mais intemporal, simples e memorável.

Natural History

2011-01-14T10:05:00.000Z

Wood, The Rev. J. G. Abnimate Creation: popular edition of our living World, a natural history. Revisto e Adaptado por Holder, Joseph B. (1898). American Zoology. Vol. I. New York: Selmar Hess.

Créditos das Imagens: NYPL Digital Gallery

Terry O'Neill

2011-01-08T10:36:00.000Z

Nascido em 30 Julho de 1938, em Londres, Terry O'Neill é um fotógrafo que alcançou o seu maior sucesso documentando o estilo de vida das celebridades da década de 1960, em contextos muito pouco convencionais.

O’Neill iniciou a sua carreira fotográfica com um trabalho para uma companhia aérea no aeroporto londrino de Heathrow. Ao acaso, ele fotografou uma figura de dormir numa sala de espera e mais tarde descobriu que era Secretário do Interior. A sua reputação cresceu durante a década de 1960, e além de fotografar os ícones do showbusiness da década, como Judy Garland, The Beatles e The Rolling Stones, também fotografou os membros da família real britânica e vários políticos de destaque, mostrando uma forma mais natural e humana.

Na década de 70, O’Neill finalmente cruzou o Atlântico e começou a fotografar as estrelas de Hollywood para as revistas Playboy, Life e Premiere. Durante este tempo, também começou uma relação de quinze anos com a actriz Faye Dunaway. O'Neill continuou a desfrutar de grande sucesso ao longo dos anos 1980 e 1990 e ainda trabalha regularmente para jornais e revistas.

Créditos das imagens: Terry O'Neill Photographers Gallery

Salvador Dali by Philippe Halsman

2011-01-07T09:30:00.002Z

Créditos das imagens: PhotoSlaves

LOGORAMA

2011-01-06T08:25:00.000Z

O mundo das marcas criado pelo estúdio francês H5. A equipa demorou 4 anos a animar todos os logótipos mais famosos do mundo que aparecem na curta, interagindo entre si como se fossem personagens. A história gira em torno de dois bonecos da Michelin, policias, que perseguem um psicopata assassino, interpretado pelo palhaço Ronald McDonald. Em 2010, Logorama recebeu o Oscar de Melhor Curta-Metragem de Animação.

Chloe Aftel

2011-01-04T11:27:00.003Z

A linha entre realidade e fantasia é muito ténue no trabalho Chloe Aftel. Natural de Berkeley, mas a residir em Los Angeles, EUA, o trabalho de Chloe Aftel pode ser visto no seu site oficial, no seu blog ou no Flickr e pode ser adquirido na sua loja Etsy.

Créditos das imagens: Chloe Aftel Studio in Flickr

Charlotte March

2011-01-03T15:24:00.006Z

Charlotte Marché, a "grande dama" da fotografia de moda alemã, é conhecida pela sua criatividade artística e pelo seu não conformismo que imprime nas suas fotografias. Charlotte trabalhou para diversas revistas ao longo das décadas de 60, 70 e 80, como a alemã Twen e a Vogue Itália, provando que o seu trabalho era apreciado internacionalmente.

Créditos das imagens: Young Gallery; Shupmann Collection

O eterno perfume

2011-01-02T15:19:00.003Z

Mademoiselle Chanel, 1937

A mulher que começou tudo. Diz a lenda que o aroma ainda perdura em seu apartamento hoje.

Lauren Hutton, 1968

Actriz e modelo americana foi uma das faces icónicas dos anos 60.

Cheryl Tiegs, 1969

Cheryl Tiegs foi uma das modelos mais famosas dos EUA dos anos 70.

Catherine Deneuve, 1971

Uma das actrizes mais bem sucedido da França, Deneuve continua a ser lembrada pelo seu papel em Belle de Jour. A sua beleza misteriosa tornou-a embaixatriz perfeita para Chanel Nº5.

Carole Bouquet, 1993

Actriz e modelo francesa, Bouquet ganhou reconhecimento internacional como uma "Bond Girl", em 1981, em For Your Eyes Only.

Estella Warren, 2000

Warren actuou em filmes como Planeta dos Macacos e The Cooler, e apareceu em dois comerciais televisivos para o Chanel Nº5.

Nicole Kidman, 2007

A colaboração de Kidman com o director Baz Luhrmann fez com que o comercial (uma curta de 4 minutos) fosse classificado como o mais caro do mundo.

Audrey Tautou, 2009

A actriz francesa é o último rosto da fragrância e é notável a sua semelhança com a criadora. Mais tarde representaria a própria Coco Chanel no filme Coco Avant Chanel.

O perfume Chanel nº5 foi o primeiro perfume criado para empresa Chanel S.A., por Ernest Beaux, em 1921. Após encomendar seis amostras, Coco escolheu a quinta para ser a fragrância da sua marca. A mistura de óleo de ylang-ylang, jasmim, neroli, rosas de maio, laranja amarga, ândalo e baunilha, transformou-se no perfume mais conhecido do mundo. Coco incluiu o número 5 no nome do perfume, pois, acreditava que o número 5 era seu número de sorte.

Inicialmente, o Chanel Nº 5 era dado de presente aos melhores clientes da boutique de Coco Chanel. Com o tempo, ele tornou-se a fragrância oficial da loja, da marca e símbolo de sofisticação e glamour.

Com quase 90 anos de história, o perfume pouco foi alterado na sua fórmula e na sua embalagem. Até hoje, ele aparece dentro de um frasco art déco, incorporado na colecção permanente do Museu de Arte Moderna de Nova York, desde 1959.

Desde o seu lançamento, as campanhas publicitárias de Chanel N º 5 tornaram-se quase tão famosas quanto a fragrância em si.

Créditos das imagens: Stylist.co.uk

Feliz Ano 2011

2010-12-29T10:05:00.000Z

Créditos das imagens: NYPL National Gallery

Michael Magill

2010-12-27T09:10:00.000Z

Michael Magilli tem o talento em perpetuar a beleza do Inverno.

Créditos das Imagens: Michael Magilli

Feliz Natal

2010-12-22T10:32:00.000Z

Créditos das imagens: NYPL Digital Galley

Sarah Beetson

2010-12-21T16:33:00.000Z

Sarah Beetson formou-se no Falmouth College of Arts, na Cornualha, em 2002, e ganhou o Prémio Pentland Prize for Fine Art no mesmo ano.

Logo depois, passou quatro anos em Londres trabalhando na ilustração de moda para as revistas Yellowdoor, Pop e The Face e completou um estágio de sete meses em Design de Impressão no atelier de Stella McCartney. O seu objectivo era decorar as paredes da sala de sapatos da loja de Stella na Rua Bruton.

Desde então, Sarah construiu uma carreira como artista e ilustrador freelancer, exibindo o seu trabalho em Londres, Paris, Portland, New York, Adelaide, Melbourne e Gold Coast, na Austrália, onde vive actualmente.

Sarah cria todos os elementos do seu trabalho à mão utilizando pincéis, canetas e outros instrumentos e, se necessário, completa com Photoshop.

Créditos das imagens: Sarah Beetson | Illustration

Luís Belo

2010-12-20T09:27:00.000Z

"Deixe-me, leitor, que me lance num exercício de dias com real significado, que a importância é subjectiva, e as biografias são-no ainda mais. Aos seis anos aprendi que não é boa ideia matar abelhas com as mãos, picam, e de mão inchada não é fácil desenhar, uma das minhas paixões de sempre. Paixão essa que me levaria a vencer alguns concursos, entrariam então no meu reportório prémios como um vale de 50 euros em compras na toys’r’us, ou um boné do dragonball, o meu orgulho de infância.

Nos últimos anos apresentaram-me à fotografia e à música, enquanto as letras rodavam sobre si mesmas e se mostravam poesia, tantas vezes escura, tantas vezes clara. E todas essas formas de arte foram crescendo em conjunto até que a célebre expressão desenhar com luz não fosse uma total desconhecida; até que entre os acordes da guitarra os meus dedos não demorassem meio minuto; até que as palavras, invertidas sobre si mesmas, guardassem que nem fotos todos essas datas que são afinal de uma importância real, assim: aurora, mar, beijo, viagem, vertigem, boca, laços, vírgula, momento, porto, incêndio."

Luís Belo

Créditos das imagens: Luís Belo | Colecção Trechos em Detalhe

Live on the side of Life

2010-12-18T15:20:00.013Z

Coca-Cola é, sem dúvida, uma das marcas mais conhecidas do Mundo e que sobrevive ao longo dos tempos. O seu logótipo é um clássico e uma expressão de arte e a forma ondulante da garrafa é reconhecida imediatamente em qualquer ponto do planeta.

Ao longo das décadas, foram reproduzidos centenas de campanhas publicitárias com inúmeros temas. Uma das personagens mais conhecidas da Coca-Cola é o Pai Natal. Nos anos 30, A empresa procurava uma forma de aumentar as vendas dos seus produtos durante o Inverno, altura do ano em que se verificava uma enorme quebra na venda dos refrigerantes. Contactaram então o ilustrador publicitário Haddon Sundblom, que criou uma série de memoráveis ilustrações que reproduziam e renovavam a antiga imagem de S. Nicolau Taumaturgo, bispo de Myra, cidade da Turquia (hoje chamada de Demre), transformando-o numa versão bastante risonha e colorida, vestido de traje de cor vermelha com orlas brancas de peluche (cores da Coca-Cola). O sucesso da campanha publicitária foi enorme.

O site Presidia Creative apresenta 75 anúncios vintage, retro e contemporâneos que, por si só, é um retrato das evoluções sociais e artísticas.

As imagens que são apresentadas neste post pertencem à campanha criada por um pequeno grupo de artistas, designers e ilustradores, convidados pela Coca-Cola para trabalhar o tema “live on the side of life”.

Créditos das imagens: Presidia Creative.

The Word

2010-12-17T10:34:00.000Z

Créditos das imagens: We♥it

Saudades do Pedro

2010-12-16T10:20:00.001Z

A Voz Publica, 24 de Setembro de 1902 [Visual gráfico]. - [Porto : s.n., 1902]. - 1 postal : p&b ; 14x9 cm. - Primeira página do n.º 3:345, ano XIII, com aplicação central de fotografia da ponte D. Luís I, no Porto.

Créditos das imagens: Biblioteca Nacional Digital

L'animal dans la décoration

2010-12-07T17:23:00.000Z

Um livro bonito: M.P. Verneuil (1899). L'animal dans la décoration. Paris: Libraire Centrale de Beau-Arts

Créditos das imagens: NYPL Digital Gallery

We can do it!

2010-12-05T15:39:00.004Z

We can do it! é o famoso cartaz criado em 1942, pelo artista gráfico americano J. Howard Miller (1918-2004). É, possivelmente, o mais famoso dos cartazes de guerra, simbolizando o esforço de todas as mulheres norte americanas que assumiram os postos de trabalho nas fábricas durante a Segunda Guerra Mundial. Para muitos historiadores, neste cartaz é identificado erradamente a personagem Rosie the Riveter. Contudo, a história cruza-se e assim é criado o mito.

Rosie the Riveter é um ícone cultural dos Estados Unidos da América, representando as mulheres americanas que trabalhavam nas fábricas durante a Segunda Guerra Mundial, muitos dos quais trabalharam em fábricas que produziam munições e material de guerra.

O termo Rosie the Riveter foi usado pela primeira vez em 1942, numa canção do mesmo nome escrita por Redd Evans e Jonh Jacob Loeb. A canção tornou-se um hit nacional e é sobre Rosie, uma mulher trabalhadora: “All the day long, Whether rain or shine, She’s part of the assembly line, She’s making history,Working for victory, Rosie the Riveter”.

Rosie the Riveter tornou-se mais estreitamente associado a uma mulher real, Rose Will Monroe, que nasceu em 1920, em Pulaski County, Kentucky e mudou-se para Michigan durante a Segunda Guerra Mundial. Rose trabalhou como rebitadora no Willow Run Aircraft Factory em Ypsilanti, Michigan, na construção de bombardeiros B-29 e B-24 para a Força Aérea dos EUA.

Segundo a Encyclopedia of American Economic History, Rosie the Riveter inspirou um movimento social que aumentou o número de mulheres trabalhadoras americanas Embora a imagem de Rosie reflicta o trabalho industrial de soldadores e rebitadores durante a Segunda Guerra Mundial, a maioria das mulheres assumiram outros postos em todos os sectores da economia.

Esta imagem tornou-se assim um ícone feminista que provava que as mulheres conseguiam fazer o trabalho “de homens” e faziam-no bem. Rosie the Riveter não é só uma mulher, mas é a personificação de todas as mulheres que mostraram, numa época em que a mulher era remetida para o papel de dona de casa, que eram capazes de fazer todo o tipo de trabalho.

Créditos das imagens: Library of Congress in Flickr

David Bailey

2010-12-02T12:33:00.000Z

"Eu sempre procurei fazer fotografias que não ficassem datadas. Sempre procurei pela simplicidade."

David Royston Bailey (1938) é um famoso fotógrafo inglês conhecido pelos retratos de celebridades.

Nascido no bairro de Leytonstone, na parte leste da grande Londres, a família de Bailey mudou-se para o subúrbio de East Ham quando tinha três anos, depois da casa em que viviam ser destruída durante um bombardeio na II Guerra Mundial. Foi lá que ele cresceu com a irmã mais nova, Thelma, junto com o pai, um alfaiate, e a mãe, Gladys.

Disléxico e com problemas de relacionamento social, teve muitos problemas na escola, chegando a ir apenas 33 dias durante um ano escolar. O seu interesse por História, entretanto, levou-o à fotografia. Bailey deixou a escola com quinze anos, para trabalhar como mensageiro em jornal e em outros pequenos empregos, até ser chamado para o serviço militar em 1956, onde serviu na RAF, em Singapura, em 1957.

Em 1958, Bailey foi desmobilizado da Força Aérea e, determinado a seguir a carreira de fotógrafo, porém, impedido de frequentar o London College of Printing, um departamento de ensino de artes do London Institute, devido ao seu baixo rendimento escolar, começou a trabalhar como assistente de fotógrafos da cidade, fazendo trabalhos menores e burocráticos nos estúdios.

Em 1959, iniciou a carreira como assistente do fotógrafo londrino John French e, em 1960, foi fotógrafo do John Cole's Studio Five. Bailey também trabalhava como fotógrafo freelancer até que, com apenas 22 anos, foi contratado Vogue UK para fotografar editoriais de moda.

Juntamente com os fotógrafos britânicos, Terence Donovan e Brian Duffy, Bailey capturou imagens que ajudaram a criar o espírito da Swinging London dos anos 60. Os três fotografavam artistas, modelos, músicos e a nobreza britânica, passando eles próprios ao estatudo de celebridades.

Entre muitas outras personalidades que Bailey fotografou nesta época ou mesmo lançou, estão The Beatles, Mick Jagger, Twiggy, The Rolling Stones, a supermodelo Jean Shrimpton, lançada por ele e com quem teve um relacionamento de quatro anos, Marianne Faithfull, Brian Jones, Lord Snowdon e Catherine Deneuve, com quem foi casado entre 1965 e 1972, imagens que se tornaram sinónimo de uma era, além de fotografar inúmeras capas , matérias de moda e comportamento para as maiores revistas do mundo.

Com um trabalho consistente, influente e reconhecido através das décadas, Bailey foi condecorado como Membro do Império Britânico em 2001, pela Rainha Elizabeth II. Amante dos trabalhos de Pablo Picasso, hoje, com mais de 70 anos e ainda trabalhando para as grandes revistas de moda, produzindo comerciais e campanhas publicitárias para o cinema, Bailey é casado com a ex-modelo e actriz Catherine Dyer.

Créditos das imagens: David Bailey